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The Los Angeles County Museum of Art (LACMA) will present Francis Alÿs, Fabiola, an exhibition comprised of more than three hundred portraits of the Christian Saint Fabiola—all of them copies of a famed lost original—collected by artist Francis Alÿs. LACMA’s presentation, running September 9 through January 4, 2009, marks the West Coast premier of Alÿs’s encompassing group of Fabiola works, mostly paintings, as well as several versions in needlepoint, wood relief, and other materials.
Over the past two decades, Francis Alÿs assembled a significant collection of nearly identical paintings and other depictions of fourth-century Saint Fabiola. All of these are based on a renowned portrait devised by nineteenth-century French academic painter Jean-Jacques Henner. This much venerated image has been so assiduously copied by amateurs and professionals alike that it has become a popular icon, a phenomenon that, as the artist stated, “indicates a different criterion of what a masterwork could be.”

Au lendemain de l’intervention de Jean-Louis Cohen au Getty Center sur Le Corbusier,  le département d’architecture de UCLA recevait Jean Nouvel. La salle du  Perloff Hall est vite devenue trop petite et le département a dû ouvrir des salles supplémentaires. Elles étaient équipées de video-projecteurs permettant la transmission simultanée de cette conférence et accommodant ainsi les quelques centaines de visiteurs qui s’étaient déplacés et avaient attendu parfois plus d’une heure pour entrer.

Jean Nouvel se définit comme architecte contextuel. Il nous a révélé comment, alors qu’il était étudiant à l’Ecole des Beaux-Arts, il présentait ses projets sous forme de dizaines de pages d’analyse dactylographiées alors que les autres étudiants fournissaient les croquis que l’on attendait d’eux.

Car pour lui, l’analyse est primordiale. Chaque projet, chaque site, correspond à des paramètres, des contraintes, des atouts, une histoire qui lui sont spécifiques.

Par conséquent chacun des projets réalisés par Jean Nouvel a une identité propre. Il est moins concerné par créer son propre style (comme le blanc de Richard Meier par exemple) que de contextualiser ses créations. Lui-même avoue « La critique dit que je n’ai pas de style ». C’est qu’il lui faut d’abord répondre aux questions essentielles du quoi et du pourquoi et analyser le passé de façon à construire le futur.


Ainsi sa Torre Agbar (Barcelone, 2003) n’aurait pu être imitée pour le Musée du Quai Branly puisqu’il était hors de question de rivaliser avec la Tour Eiffel, à deux pas de là. Par ailleurs, Jean Nouvel a voulu s’écarter d’une architecture occidentale pour ce « Musée des Arts Premiers » où plusieurs artistes aborigènes ont été associés à la décoration intérieure. L’Institut du Monde Arabe à Paris et  sa « machine à habiter » à New York,  suivent des principes bien différents. Et ainsi en est-il pour chacun de ses projets. Quelques composantes semblent toutefois se répéter : la lumière, la transparence, et la poésie.

C’était une chance inespérée que d’entendre Jean Nouvel en personne parler de son propre travail. Il a su très rapidement conquérir son audience par sa simplicité et  sa décontraction. Tant et si bien que ses décisions architecturales s’imposent presque comme des évidences ! Los Angeles peut être fière de l’accueillir pour son nouveau projet au 10000 Santa Monica Boulevard.

Une révérence rafraîchissante à l’histoire de l’art d’Asie.

Le Geffen Contemporary at MOCA (Museum of Contemporary Art) à Los Angeles présente depuis le 29 octobre 2007 © Murakami. Ouverte au public pour près de quatre mois, cette exposition rencontre un vif succès. La file d’attente en ce samedi du mois de janvier en est la preuve. Survolant la carrière du jeune artiste japonais Takashi Murakami, ce one-man-show a été bien soigné médiatiquement : les grandes bannières fuschia sont visibles partout sur l’agglomération et les media ont largement commenté le pari audacieux de Paul Schimmel, Conservateur du Moca, pour avoir osé implanter une boutique Louis Vuitton au sein même de l’exposition. Mais une fois plongé dans cette exposition, la critique communément faite de l’aspect commercial de Takashi Murakami se dissipe pour laisser place à un aspect dont on entend moins parler à savoir ses nombreuses références à la longue tradition artistique de l’Asie.

Un premier exemple de cette influence est visible depuis l’entrée : Oval Buddha (2007). Cette sculpture d’aluminium et platinum se dresse à plus de cinq mètres de hauteur. En raison de cette grande taille elle n’est pas rappeler les sculptures colossales de Buddha comme le Kamakura Great Amida Buddha (Daibutsu). Si nous reconnaissons également la fleur de lotus ainsi qu’une vague ressemblance avec le Shaka (or Miroku) Buddha de Todai-Ji, ou encore les figurines Dogu de la période Jomon, ce Buddha est traité d’une façon presque caricaturale avec son corps de grenouille et ses yeux exorbités.
Même chose avec Reversed Double Helix (2003-2005) protégée par ses quatre gardiens placés aux quatre points cardinaux, comme de coutume depuis les temples mésoaméricains et en Asie ancienne. Ces gardes ne sont pas aussi effrayants et imposants que les Kongo Rikishi de l’Ecole Kei de sculpteurs de la période Kamakura à Todai-ji, Nara, mais ils prennent leur travail tout aussi au sérieux.
Cosmos (1998) est une oeuvre qui rappelle dans sa forme et son contenu les paravents peints sur soie d’Asie. Sa construction de panneaux verticaux ainsi que son thème floral et son fond métallique constituent des références solides. Elles nous rappellent par exemple Morning Glories (photo ci-contre) de Suzuki Kiitsu , peintre japonais du dix-neuvième siècle. L’or est remplacé ici par l’argent mais le thème et la composition sont très semblables. Le style « Superflat » de Murakami se retrouve aussi dans des peintures de la période Kamakura, comme par exemple le portrait de Minamoto no Yoritomo  du japonais Fujiwara Takanobu au douzième siècle.

Oui, les allusions commerciales sont présentes dans l’exposition. La boutique Louis Vuitton en est la preuve évidente. La Kaikai Kiki Merchandise Display Room en est une autre. Alignés dans des petites vitrines nous trouvons là une succession d’objets de mass production comme des porte-clés, des cartes postales, des tee-shirts. On peut presque entendre l’argent tomber dans la caisse ! Cependant, si l’on prend un peu de recul on s’aperçoit que ces objets sont disposés en fonction de leur couleur, créant donc une harmonie visuelle et semblable à une roue chromatique. Cet arrangement de biens de grande consommation rappelle les fameuses boites de soupe Campbell d’Andy Warhol dans les années 60, vers la naissance de Takashi Murakami. Le traitement patiné de 727, connu pour son personnage à-la-Mickey, rappelle lui aussi la Big Electric Chair de Warhol (qui lui aussi avait d’ailleurs travaillé sur des représentations de Mickey). Chez ces deux artistes nous voyons donc une intention de brouiller la démarcation entre les Beaux-Arts et l’art populaire et Murakami est souvent proclamé comme le  pop artist de ce nouveau millénaire. Comme Warhol, Murakami est souvent critiqué pour être trop « commercial ». Il y a bien longtemps qu’un artiste a travaillé sans espoir de contrepartie. Murakami accepte ces revenues et rémunère ainsi les équipes de sculpteurs et peintres et autres spécialistes qu’il emploie (tout comme Warhol le faisait) sur ses projets. Et comme Warhol, Murakami lui aussi a sa «Factory» : la Hiropon Factory. 

Le titre de l’exposition, avec son symbole du copyright (© Murakami), associe très clairement pragmatisme commercial et ses références légales. Toute photographie est d’ailleurs strictement interdite dans l’exposition. Le symbole du copyright est discret mais  partout présent. Ironiquement il ressemble aussi aux yeux de méduses qui sont partout chez Murakami, presque comme une signature. Cette forme d’humour Dadaesque puisque les méduses n’ont pas d’yeux pourrait être un clin d’œil aux « énigmes » Zen comme celle illustrée par Josetsu ‘Comment attraper un poisson-chat avec une gourde’ (quinzième siècle). Murakami parle également de cette idée de non-sens dans son Superflat Manifesto (sous-titré : “The meaning of the Nonsense of the Meaning”), en contraste avec le sens présent dans l’art occidental.

Voir l’Oval Buddha dans un jardin Zen serait sans doute agréable. Mais le Geffen offre un contexte intéressant, à deux pas de Little Tokyo et du  Japanese American National Museum. L’humour, les couleurs et la jeunesse qui émanent de ces personnages aux allures innocentes, tout cela a un effet revigorant.  © Murakami est probablement l’exposition pour adultes avec la moyenne d’age la plus basse à ce jour. On en ressort avec l’agréable légèreté d’être jeune ! Murakami semble construire un pont non seulement entre le passé et le present (l’ancien et le nouveau) mais aussi entre l’Est et l’Ouest.

The Geffen Contemporary at MOCA (Museum of Contemporary Art) in Los Angeles has been hosting since October 29, 2007 the exhibit © Murakami. On show for three and a half month, this event is getting a broad success. The long line of people waiting to enter on a Saturday afternoon in January is a proof of that. Meant to survey the entire career of the contemporary Japanese artist Takashi Murakami, this solo exhibition of over ninety of his works spanning nearly two decades has been well marketed: bright fuchsia posters and banners were visible throughout the city and the media have commented widely on the controversial and daring take by the curator Paul Schimmel to install a Louis Vuitton boutique within the exhibit. But once drawn into this event, the notion of Takashi Murakami’s art being highly commercial dissipates to surprise us with its numerous references to Asian art history.

The first arresting example of his influence is visible from the entrance with the Oval Buddha (2007). This sculpture made of aluminum and platinum is about eighteen feet tall. Because of its large scale, it does remind us of the giant sculptures of Buddha, like the Kamakura Great Amida Buddha (Daibutsu). If we recognize the lotus flower base and other elements such as a vague resemblance with the ninth century Shaka (or Miroku) Buddha of Todai-Ji, or with Dogu figures of the Jomon period, this Buddha is treated in a cartoonish way with its frog-like body and goggle-eyes.

The same is true of Reversed Double Helix (2003-2005) protected by four guardians placed as if to signify the four cardinal points, a commonly used theme in ancient art that we find in ancient Mesoamerican temples and in ancient Asian art as well. These guardians are however not quite as frightening and imposing as the Kongo Rikishi of the Kei School sculptors of the Kamakura period in Todai-ji, Nara, but they seem to take their function just as seriously.

Cosmos (1998) is another work that is very reminiscent in form and content of ancient Asian screen paintings. The construction of the painting, separated into vertical panels, directly recalls the screen painting format. The content shows flowers over a silver background. It reminds us for example of Morning Glories by the nineteenth century Japanese painter Suzuki Kiitsu. Gold is replaced here with silver but the theme and composition are quite similar. The “Superflat” style of his work can also be linked to painting styles of the Kamakura period, for example the portrait of Minamoto no Yoritomo by Fujiwara Takanobu in the twelfth century Japan.

Yes, there are references to business and commerce in the exhibit. The Vuitton Boutique is an obvious one. The Kaikai Kiki Merchandise Display Room is clearly another one. Aligned in small window displays are a series a key-holders, cotton t-shirts, postcards, etc., all indicating mass-produced merchandise. We can almost hear the cash register ringing sales. However, if you stand back, this entire catalogue transforms itself in a color wheel as the objects are organized according to a color arrangement. This display, with its geometric layout of consumer goods, recalls the repetition of cans of Campbell’s soup by Andy Warhol in the 1960s, when Takashi Murakami was born. Even the patina-like background of Murakami’s 727, notable for its Disney-like character, recalls the Big Electric Chair by Warhol (who also worked on representations of Mickey Mouse). In both of these artists we see an intention to blur the line between fine art and popular art and clearly Murakami is appearing as the new pop artist of the beginning of the millennium. Like Warhol, Murakami is criticized for being too “commercial”. It’s been a long time since an artist did not intend to make any money from his art and Murakami welcomes it as any other artist would. It also needs it to pay the teams of sculptors and painters and other skilled people who (like Warhol) he employs on his projects. It is interesting to note also that like Warhol, Murakami also has his own “factory” (the Hiropon Factory).

The title of the exhibit, with the copyright symbol (© Murakami), clearly associates the name of Murakami to the pragmatic aspect of business with the legal and commercial and preservation of interests. Photographs inside the exhibit are strictly forbidden. The © symbol is very discrete but omnipresent. Ironically, it looks like a jellyfish eye! The jellyfish eye is a recurring theme in Murakami’s art, almost a signature for him. This demonstrates a Dadaesque sense of humor since jellyfish don’t have eye. But it could also be a twinkle to the riddles commonly suggested in Zen Buddhism such as the one illustrated by the fifteenth century hanging scroll Catching a Catfish with a Gourd by Josetsu. Relating to this nonsense, Murakami came up with the phrase “The meaning of the Nonsense of the Meaning” (subtitle of his Superflat Manifesto) referring to the purely decorative role of Japanese art, in comparison to the “meaning” present in Western art.

The exhibit would probably be amazing experienced in a Zen garden or a natural setting. But the Geffen is a nice venue for this show, tucked next to Little Tokyo and the Japanese American National Museum. The humor, the colorful artworks and youthful and seemingly innocent characters of this show have an invigorating effect. © Murakami might be the grown-ups exhibit with the youngest attendance to date. The overall feeling that emanated the exhibit space was of the exhilarating lightness of being young! Murakami appears to be building a bridge not only between the past and the present (the old and the young) but also between East and West.

Trader Joe’s  is now selling frozen chocolate croissants. The small box contains 4 of them and it will cost you $3.99 (+ tax).  Each chocolate croissant is 320 calories. They need to be taken out of the freezer 9 hours before baking time (about 20 minutes). The result is surprisingly satisfying!

In fact these chocolate croissants (Pain au chocolat in french) are among the best I have tested so far in Los Angeles. According to this blog (justinsomnia) Trader Joe’s chocolate croissants are made by Chef Jean-Yves Charon, Founder of Galaxy Desserts in Richmond (California). Among his clients are Dean and Deluca and Williams Sonoma.

Trader Joe’s aside, the best value remains at Amandine (Wilshire Blvd, one block west of Bundy). They got it all: freshness, size, chocolate amount and reasonable price ($2). Delicious too (but more expensive: $3.50) : chocolate croissant from Le Marmiton on Montana Avenue, in Santa Monica. Among my top 5 are also the chocolate croissants from the chain Le Pain Quotidien ($2.60).

I will soon check also Breadbar and Pain du Jour (828 Pico Blvd - near Lincoln Blvd)

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